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'El año del hambre de Madrid' (1818) de José Aparicio e Inglada. 'El año del hambre', de la cima a la sima del olvidoEl Prado exhibe restaurada la monumental y malhadada tela de José Aparicio que pasó del parnaso al ostracismo
Lunes, 27 de abril 2026, 17:01
... la España del siglo XIX a languidecer en un depósito. Del Parnaso al ostracismo. De ser un símbolo patriótico, a una anécdota de tono local y ser expulsada del Museo del Prado. El mismo que, hasta el 13 de septiembre, exhibe la obra restaurada como prueba de que el aprecio artístico y crítico puede cambiar drásticamente.«Pasó de la cúspide del parnaso a ser expulsada del museo», dice el actual director del Prado, Miguel Falomir. «Ejemplifica como pocas pinturas los vaivenes de juicio en la historia del arte y la dificultad con la que los grandes iconos culturales perduran y se consagran como tales», asegura Carlos G. Navarro, conservador de la colección de pintura del siglo XIX del Prado y comisario de la muestra.
Ver hoy la obra Aparicio junto a las de coetáneos como José de Madrazo y Francisco de Goya —entre las pinturas negras y 'El 2 y el 3 de mayo'— «permite reflexionar y revisar el mito en torno al progreso en las artes, las ideas de tradición y modernidad, y el papel del arte en la ficción nacionalista. También sobre la caduca noción cultural de genio artístico, cuando los grandes pintores todavía no lo eran», según Navarro.
En la prehistoria del Prado, durante la formación de su colección, reinó el cuadro de Aparicio, pero el viaje de la cima a la sima del olvido de la obra y de su autor fue largo. Duró casi un siglo, de 1819 a 1927, cuando se depositó definitivamente en el Museo de Historia de Madrid donde durmió un injusto sueño.
Propaganda
Considerada una de las pinturas más célebres del museo durante el reinado de Fernando VII, la obra de José Aparicio e Inglada alcanzó una difusión sin precedentes en su tiempo. Se debió a su carga propagandística, como símbolo patriótico contra la ocupación francesa. De imponente presencia y formato —3,15 por 4,37 metros, unos 14 metros cuadrados— es un ejemplo sobresaliente de la pintura oficial de la época.
Su historia es más que accidentada. Pocas obras de la colección del siglo XIX del Prado han sufrido daños tan graves en tan pocos años. La causa principal fue la penosa intervención realizada antes de llegar al Museo de Historia de Madrid. Se reenteló el lienzo de manera inadecuada y el exceso de humedad encogió la tela y causó múltiples desprendimientos de la pintura. Varias zonas con levantamientos se ocultaron bajo gruesas capas de inadecuados repintes.
En 1991, con motivo de la exposición 'La pintura de historia del siglo XIX en España', se llevó a cabo una primera restauración. Pero 34 años después ha sido necesario reintervenir la obra en el Prado para eliminar deformaciones de la tela, fijar nuevos levantamientos de la capa pictórica y ajustar las reintegraciones que el paso del tiempo alteró.
Pintor de cámara
José Aparicio e Inglada (Alicante,1770 - Madrid,1838) fue uno de los máximos exponentes de la pintura neoclásica española. Formado en Alicante, Valencia, Madrid, París —con Jacques-Louis David— y Roma, a su regreso a España fue nombrado pintor de cámara de Fernando VII, académico de mérito y director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Artista muy célebre en su momento por los temas patrióticos relacionados con la Guerra de la Independencia en 'El año del hambre de Madrid' evoca abiertamente el cuadro 'El conde Ugolino y sus hijos', pintado en 1806 por Henry Fuseli y difundido a través de grabados.
Sus obras fueron destinadas a centros oficiales y casas nobles debido a su temática. Su pintura más famosa fue 'El desembarco de Fernando VII en la isla de León' (1827), perdida en el incendio del Tribunal Supremo de 1915 y de la que solo se conserva un boceto en el Museo Romántico de Madrid.
Con esta exposición, el Prado inaugura el formato 'Una obra, una historia': una muestra 'de cámara' en la que se hace una revisión crítica de alguna pieza con mucha historia. «Invitamos al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, nos ayuda a reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos», resume Falomir.
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