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María Álvarez-Garcillán, restauradora de 'Pablo de Valladolid' de la colección del Museo del Prado, detalla las claves del pintor. "Marcó un hito en la concepción estética y estilística de la pintura. Brillaba, sobresalía y lo sabía".
Édouard Manet definió Pablo de Valladolid como "el cuadro más asombroso jamás pintado". Sin entrar en debates, la restauración de este cuadro de Diego Velázquez ha permitido analizar el proceso creativo del pintor. Pero antes de definirlo, María Álvarez-Garcillán, restauradora de esta obra que forma parte de la colección del Museo del Prado, cree necesario conocer la historia del pintor y cómo ésta definió todo su trabajo posterior. "Sin negar su genialidad innata, siempre es necesario el oficio. El genio no nace, se hace. Velázquez recibió su formación en Sevilla. Entró de aprendiz en la casa de su maestro Francisco Pacheco, que con el tiempo se convertiría en orgulloso suegro, incondicional admirador y defensor del ingenio de su yerno. La norma del estricto gremio de pintores del siglo XVII marcaba seis años de aprendizaje y una vinculación estrecha entre el maestro y el aprendiz, una suerte de interino de la casa, allí viviría y recibiría sus enseñanzas. A cambio, le darían de comer y de vestir y serviría al maestro en lo que mandara".
Álvarez-Garcillán destaca otra figura clave en la trayectoria de Velázquez, su padre. "Supo elegir una buena universidad para su hijo. Pacheco era un manierista relevante en el mundo del arte sevillano, un teórico sin igual y un sabio en técnica y recursos pictóricos, lo que hacían de él un maestro ideal. Además, sus relaciones dentro y fuera de la ciudad con la nobleza y el clero abrieron muchas puertas al joven Velázquez cuando llegó a Madrid". Además, "pronto superó al maestro en originalidad y osadía técnica y expresiva, con recursos innovadores que extralimitaban la norma tradicional y que difícilmente Pacheco, siempre crítico con quien osaba salirse de ella, hubiera aprobado si no vinieran de quien sería su mejor alumno y un genio en potencia".
Pero, ¿cómo era Velázquez? "Singular, carismático, obstinado, flemático, cerebral, analista, buen estratega, no excesivamente sociable. Era una persona pragmática, con capacidad de adaptación a cualquier situación, cualidad que se manifiesta incluso a la hora de abordar temas pictóricos que no siempre eran de su agrado, convirtiéndolos en motivo de estímulo personal. Probablemente hoy diríamos que tenía altas capacidades", asegura Álvarez-Garcillán.
Por ejemplo, Velázquez prescinde en Pablo de Valladolid, que se ha restaurado gracias a un programa impulsado por la Fundación Iberdrola España, de referencias arquitectónicas o paisajísticas y construye el espacio a partir del cuerpo del bufón, la sombra que proyecta y el aire que lo rodea. Esta solución, adelantada a su tiempo, convierte la figura en el eje absoluto de la composición y explica la intensa sensación de presencia y tridimensionalidad que transmite la obra. "Siempre permeable a las novedades, supo aprovecharlas y ser un innovador. Marcó un hito en la concepción estética y estilística de la pintura, saltándose la normativa vigente. Brillaba, sobresalía, y lo sabía", define la restauradora.
Además, "Velázquez supo combinar sus obligaciones y restricciones como pintor de cámara con el desarrollo de nuevas vías de expresión. Hizo de la necesidad virtud. La marca Velázquez le abrió muchas puertas, entre otras las del Vaticano. Por ejemplo, Inocencio X exclamó desconcertado ¡troppo vero! cuando vio su retrato, asustado por su veracidad y expresividad, pero sin poder negar su genialidad".
Esa genialidad definió su proceso creativo. Primero buscaba la forma de iluminar el cuadro. "La luz en el espacio de Las Meninas procede de las ventanas que tenía la sala del Alcázar donde se pintaron. El punto de vista, el encuadre y la proporción del Cristo crucificado lo determina la arquitectura del altar de la iglesia para cuyo convento fue pintado. La azurita o el lapislázuli que usa en sus cielos no es el azul de plomo que usan sus discípulos, más barato e inestable", confirma Álvarez-Garcillán.
Tras unos bocetos previos que servían de muestra para el cliente y de ensayos al pintor, venía la elección del soporte. "Descartó el uso de tablas para pintar sólo sobre lienzo. La preparación de la tela es un proceso identificativo del pintor. Esta capa de imprimación previa sirve de colchón a la capa pictórica, pero también de fondo cromático. De nuevo Velázquez se distanció de la tradición sevillana al sustituir las preparaciones rojizas sevillanas por otras cada vez más claras, más luminosas".
Otro rasgo identificativo de Velázquez "es la manera de proyectar el dibujo preparatorio en el lienzo. Como buen virtuoso, se permitía simplemente encajar la composición para, sin más referencias espaciales, empezar a aplicar el bosquejo o primeros toques de color". La aplicación del color es el último paso y el que refleja más la habilidad del artista. "Velázquez conjuga con soltura pinceladas empastadas con toques fluidos y más transparentes. Su técnica es efectista, juega con la impresión que causa la pincelada vista de lejos, por eso se pinta a sí mismo mirando desde la distancia los toques del lienzo que está abordando dentro de la escena de Las Meninas".
Álvarez-Garcillán concluye: "Velázquez era un self-made man, catalizador y a la vez permeable a corrientes externas. Por su esfuerzo, su disciplina, sus recursos sociales y sus habilidades personales llegó a ser un referente en su época. Supo venderse, extenderse, comunicarse, propagarse sin perder ni un ápice de modernidad y genialidad".
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